En contienda por el Coral de ficción

Joel del Río • La Habana, Cuba

Entre las embajadas cinematográficas más poderosas, en liza por los principales premios Coral que se conceden todos los años a los mejores largometrajes y especialidades, destacan las películas enviadas por Argentina, Brasil y México, los mayores productores de la región y los tres con mayor tradición histórica.

Imagen: La Jiribilla

 

En cuanto a la producción argentina destaca Cassandra, con producción, guion, montaje y dirección de Inés Oliveira Cézar, presenta la historia de una joven periodista (Agustina Muñoz) que ingresa como becaria a la redacción de una revista y recibe como primer encargo de su editor (Alan Pauls) un viaje al Impenetrable chaqueño. Allí, Cassandra descubrirá lo extremo de la pobreza y la intensidad de esa experiencia irá modificando no solo el compromiso y el tenor de los textos y fotos que va enviando a la revista sino su propio destino.

Según Diego Batlle en el catálogo del Festival de Cine Independiente de Buenos Aires, Cassandra “combina lo ficcional con lo documental (en la línea de Los labios, de Santiago Loza e Iván Fund)”, y la directora “construye un patchwork visual, un collage narrativo para una suerte de rompecabezas que propone un doble viaje: interno y externo. Las diversas búsquedas de Oliveira Cézar son interesantes de a ratos o analizadas de manera aislada, pero la falta de organicidad e intensidad terminan conspirando contra el resultado final”.

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Elefante blanco, de Pablo Trapero, completa la trilogía del director sobre el ambiente urbano, violento y marginal recreado en las anteriores La leonera y Carancho, ahora con un toque más tendiente a los delirios delincuenciales, policiacos y pandilleros, vistos en numerosos filmes brasileños y latinoamericanos en general. Protagonizada por Ricardo Darín, Elefante blanco presenta la historia de dos curas que ejercen su oficio y ofrecen sus servicios en el contexto de una colonia de Buenos Aires donde reinan la delincuencia, el tráfico de drogas y los ajustes de cuentas entre pandillas rivales.

De acuerdo con Labutaca.net, “el tono de thriller vibrante del conjunto ayuda a la digestión de su compromiso, una opción visual, estética y narrativa en ocasiones cercana a Ciudad de Dios y que acerca este Elefante blanco a un palco mucho más amplio que el interesado en el drama de denuncia social. En cuanto al tridente central, Ricardo Darín está cómodo, como siempre ─es uno de esos actores que parece que no tienen que hacer el más mínimo esfuerzo para meterse en sus papeles─, el dardenniano Jérémie Renier chirría un tanto desde su forzosa adaptación lingüística, a veces poco natural más allá de lo lógico, y Martina Gusman defiende de modo regular el menos sabroso de los personajes principales”.

Días de pesca, de Carlos Sorín (autor de La película del rey, Historias mínimas, Bombón, el perro, La ventana) tiene como protagonista a Marco, un viajante de comercio de 50 años, ex alcohólico, que decide cambiar su vida después de una internación para desintoxicarse. Como parte del tratamiento, le recomiendan buscar un pasatiempo, y él decide que sea la pesca. Para practicarla, viaja a Puerto Deseado, en la Patagonia (escenario de varias películas de Sorín) durante la temporada de pesca de tiburón. Al mismo tiempo, va en busca de Ana, su hija, de quien no supo nada durante años, salvo que vive en la zona que él visita.

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La historia de Días de pesca rondaba a Sorín desde 2004, después de Historias mínimas, pero pasaron casi diez años hasta que logró llevarla al cine. “En las versiones anteriores del guion, el protagonista estaba enfermo —refiere Sorín en entrevista con dpa— y cuando sentía la proximidad del final, trataba de recuperar la relación con su hija. Lo del alcohólico surgió seguramente de mis lecturas de Raymond Carver”. Sorín cree que lo que lo hizo regresar a las vastas llanuras patagónicas fue, probablemente, “la atracción por los espacios abiertos, los vientos, las distancias y las asperezas de la región”. La película cuenta, además, con una docena de actores no profesionales, seleccionados en varios castings en la Patagonia, al igual que en muchas otras de sus películas.

El enigmático título Dromómanos, de Luis Ortega, se explica cuando uno se entera de que la palabra proviene del griego dromos (carrera, manía, locura) es decir, que significa la impulsión mórbida de andar. En la sinopsis se cuenta sobre cinco dromómanos que deambulan por la ciudad y por una villa en las afueras de una Buenos Aires nocturna y feroz. Hay un trío amoroso fascinado por un cerdito, un paciente de un neurosiquiátrico que cree haber hallado a su mujer ideal, y un médico especializado en siquiatría, alcohólico y autodestructivo.

Imagen: La Jiribilla

Autor de filmes tan enigmáticos y polémicos como Caja negra, Monobloc y Los santos sucios, Luis Ortega vuelve a encontrar sus personajes en los márgenes, en la cotidianidad triste. Sus personajes buscan soportar este mundo mediante vías de escape como el alcohol, el evangelio, las drogas o la locura. Según el director, Dromómanos es una comedia romántica con mucho de El Chavo del Ocho, los hermanos Marx y matices surrealistas, pero la crítica habla, en cambio, de tragicomedia sobre los inadaptados, y de personajes que intentan huir de un destino que los tiene aferrados. “Dromómanos es una película acerca de los que no pueden parar. Acerca de los que recorren el territorio circundante buscando algo, rumiando algo. Tal vez, la búsqueda existencial de todos pero vivida desde los bordes”.

Entre las propuestas brasileñas destaca, sobre todo, Febre do rato o La fiebre del ratón, del pernambucano Cláudio Assis, —consagrado con sus retratos amargos de la realidad urbana o rural nordestina en Amarelo Manga (2002) y Baixio das Bestas (2006)— fue realizado en blanco y negro con una preciosista fotografía del veterano Walter Carvalho quien redescubre la ciudad de Recife y sus personajes periféricos, afavelados. Assís aspira a conseguir la belleza no solo mediante la fotografía, sino también a través de los poemas escritos por su habitual guionista Hilton Lacerda, y que en la ficción aparecen acreditados a Zizo (Irandhir Santos), un poeta marginal que edita el tabloide Febre do Rato, expresión popular de Recife para representar algo fuera de control.

Zizo, el protagonista, es un personaje anárquico, apasionado, intenso y extremo, que desafía la lógica y el sentido común. En un espacio comandado por la transgresión, Zizo admira a la pareja integrada por Pazinho (Matheus Nachtergaele) y el travesti Vanessa (Tânia Granussi), quienes viven una relación perturbada y agresiva. Pero Zizo vivirá su propia historia de amor cuando se prenda de la joven Eneida (Nanda Costa), una colegial muy distante del ambiente en que vive el poeta marginal. Febre do rato ha causado escándalo por su belleza cruda y su osadía incómoda apoyada en un discurso necesario sobre la libertad sexual y de expresión.

Para hablar sobre la película brasileña Hoje, en español Hoy, y sobre su directora Tata Amaral, el lector puede remitirse a la sección inicial Travelling de este enfoco, mientras que la otra concursante brasileña, Era uma vez eu, Verônica, de Marcelo Gómes, está caracterizada al final, en la sección Ángulo ancho. No obstante, es preciso añadir que Tata Amaral actualiza el tema de la dictadura brasileña pero desde la perspectiva de la superación de la culpa, y nunca de manera directa, sino más bien poética. Todo transcurre dentro de un apartamento, excepto el final, y Hoje muestra personajes atrapados en sus traumas y miedos como ya estaba presente en otras películas de la autora como Através da Janela y Um Céu de Estrelas.

En el aparte sobre los envíos mexicanos de largometrajes se cuenta, en coproducción con Holanda y Canadá, Los mejores temas, del director radicado en Canadá Nicolás Pereda, intenta algo muy inusual en el cine: mejora la película frente a nuestros ojos, en una apología de la ficción y la puesta en escena por encima de “la verdad” y el registro documental. Gabino y su madre reciben la visita del padre de Gabino, que desapareció de sus vidas hace más de 20 años. Pero hay un momento en que el director y su equipo entran en la trama, y el personaje del padre es reemplazado por el verdadero papá. A pesar del desconcierto, el relato está llevado con mano firme por Nicolás Pereda (El verano de Goliat), y logra discursar sobre el tema del desarraigo familiar, la ausencia del padre y el descontento de los hijos que crecen con la única presencia  de la madre.

En Los mejores temas se mezclan ficción y documento hasta el punto de que el director interviene y le pregunta a los actores por qué hacen lo que hacen. Y el camarógrafo cambia de posición y se acomoda, mientras la segunda cámara filma la escena. Ha dicho Perede que “la ficción es solo un pretexto que me doy para descubrir qué piensan los actores sobre ciertos hechos. En la segunda parte se explica la razón por la cual filmé la primera. En la segunda, se muestran cuáles fueron las herramientas del documental para reconstruir la primera parte. Quiero mostrar cómo todo es complicado en la realidad. Nosotros no podemos saber a dónde vamos, son los actores quienes nos guían”.

Pero la película mexicana más famosa del año es Después de Lucía, de Michel Franco. Recibió, en mayo del 2012, el premio correspondiente a la sección Una cierta mirada en la 65a. edición del Festival de Cannes 2012 y mención especial en el ciclo Horizontes Latinos en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. La historia describe la relación entre Roberto y su hija Alejandra, de 17 años. Roberto está deprimido después de haber perdido a su esposa en un accidente automovilístico y decide salir de Puerto Vallarta e irse a vivir a la Ciudad de México. Alejandra trata de ayudarlo, pero surge una situación muy difícil para ella en la escuela a la que llega: comienza a ser víctima de bullying (acoso escolar) y de hostigamiento por parte de sus nuevos compañeros.

Michel Franco no quiso satanizar la violencia escolar, sino entender el origen del problema. Para ello, entrevistó a muchos adolescentes de ambos sexos que han vivido este tipo de situaciones. Le Nouvel Observateur escribió que Después de Lucía golpea “de manera muy justa, fuerte y duradera”, mientras que Les Inrockuptibles estima que la película de Michel Franco “subyuga por su tema y por su forma” y Metro considera a Franco un “primo de Michael Haneke en su exploración clínica de la violencia”. Ecran Large destaca “guion, puesta en escena e interpretación de rara intensidad” y el diario católico La Croix considera que “muy dominada, de una notable sobriedad, esta película —ciertamente agotadora— se abre a un vertiginoso abismo”.

En coproducción con EE.UU., España y México, Aquí y allá está dirigida por el español Antonio Méndez Esparza y cuenta la historia de Pedro, y de su regreso a la Sierra de Guerrero después de años de trabajar en EE.UU. A su vuelta al país se reúne con su esposa y sus dos hijas, ya mayores y que muestran cierta distancia. Allí vuelve a conocer las dificultades que le obligan a considerar otra vez la emigración; y allí también hay otros compatriotas que ven en la marcha hacia el Norte la única posibilidad de progreso.

La película trata sobre la inmigración a EE.UU., y participan actores no profesionales. “Todo empezó con una serie de cortometrajes que hice en Nueva York ligados a la inmigración, a la soledad” contó el realizador a Efe poco antes de la exhibición oficial del filme en la Semana de la Crítica donde alcanzó uno de los principales premios. Aquí y allá es “una historia sobre la esperanza, las memorias y las pérdidas de lo que dejamos atrás”, según la información distribuida por los productores de la cinta y el propio director admitió que siempre trató de ser lo más realista posible siempre que podía captar cosas de la vida normal.

Abuela Mambo está dirigida, en México, por la realizadora coreana Eun Hee Ihm, y reflexiona sobre un tema doloroso como el egoísmo aplicado a las personas de la tercera edad por familiares más jóvenes. Inspirada en un artículo llamado “El Síndrome de la Abuela Esclava”, el filme cuenta la historia de una abuela cualquiera que se escapa de su soledad y la disfruta, y mediante la lectura traslada su mente a la playa, y baila sola o acompañada. Su paz y tranquilidad se ven vulneradas cuando su hija le pide-exige que cuide a su nieta, pues ha conseguido un nuevo trabajo y, además, así podría ahorrarse el costo de la guardería. Los días de calma terminan, el mambo y el Diario de Ana Frank han quedado atrás. Los abruptos ruidos que hacían las bolsas de basura al cerrarse, ahora son reemplazados por el llanto de la nieta.

Hee Ihm realiza interesantes emplazamientos a través de tomas en picada, contrapicada o a nivel de piso, para, con una fotografía impecable en blanco y negro, narrar una historia de costumbrismo con ritmo pausado y tomas extensas, con la intención de resaltar la belleza de la vida cotidiana. La directora no tiene miedo a concentrarse en los detalles y destacarlos a través de un uso continuo de primeros planos. Este interesante tratamiento visual se ve complementado por el uso del sonido, exacerbado con la finalidad de contrastar el antes y después en la vida de la protagonista.

Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas, recrea recuerdos muy personales del director y gira en torno a Juan, un machista obsesionado por el sexo, y a su familia, que han dejado la Ciudad de México para instalarse en la campiña agreste y sensual. Reygadas permanece fuera de todas las tendencias y movimientos, y se apoya en un versículo bíblico en el libro de Job: “Después de las tinieblas, espero la luz”, para referirse, siempre metafóricamente, a la violencia y el crimen que dominan el pasado y el presente del país azteca. 

Realizado todo el tiempo con los bordes del encuadre difuminados, este filme denso y provocativo de Reygadas, autor de las memorables Japón y Luz silenciosa, merece siempre un comentario más calculado e intelectual que las pocas palabras, por lo general despectivas, dedicadas por la mayor parte de la prensa con credencial en el Festival de Cannes, demasiado ocupada en ver más, pasar a lo próximo, y rastrear lo último y novedoso.
 

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